Pablo Nieto

Nominada a siete Oscar, “Elizabeth” catapultó a la fama en 1998 a su protagonista Cate Blanchett. Dirigida por el pakistaní Shekhar Kapur, no hubo tiempo para abordar toda la vida de la reina más famosa de la historia de Inglaterra en apenas dos horas, así que se pensó en una trilogía. Casi diez años después, llega "Elizabeth: La Edad de Oro", un nuevo alarde de vestuario, maquillaje y decorados a la altura del lujo del siglo XVI. El film se centra en la época dorada del Imperio, olvidando los primeros años de reinado y mostrándonos a una reina madura, en pleno conflicto diplomático con el Rey de España Felipe II, quien amenaza con recurrir a la Armada Invencible para restaurar el catolicismo en Inglaterra. Pero, mientras se prepara para la guerra, Elizabeth se enfrentará al más complejo de sus problemas: asumir su condición de reina o entregarse al amor de Walter Raleigh.

Mientras en el primer film fue el australiano David Hirchfelder el encargado de dar cuerpo a la partitura (obteniendo una nominación a los Oscar), Kapur apuesta ahora por una colaboración realmente sorprendente entre el británico Craig Armstrong y el hindú A.R.Rahman. Ni que decir tiene, que lo que se busca es ofrecer un punto de vista musical completamente diferente. Mientras Hirschfelder realizaba una aproximación musical lo más ajustada posible a la era isabelina, utilizando técnicas y música de época renacentistas de Byrd o Tieleman, Armstrong y Rahman optan por centrarse en la emoción de la música y olvidarse de referencias históricas.

El resultado es un trabajo colorista, donde la electrónica no queda al margen, dando cierta sensación de anacronismo con las imágenes. Excesivo en el uso de las cuerdas (obviando la compensación sinfónica), pero acertado tanto en los matices melódicos (los leitmotivs tienen la fuerza dramática necesaria), como en el uso de los coros y la inserción de la guitarra española, duduks o el dilrubi (metáfora buscada o no, de la amplitud del reino de Isabel).

El arranque no podría ser más prometedor con el inspirado “Opening”, donde un esplendido sólo de violín a cargo de Clio Gould, se mueve con gracilidad entre los recovecos de un ampuloso crescendo orquestal. En “Now You Grow Dull” Armstrong introduce las líneas básicas del tema de amor posteriormente desarrollado en “Horseriding”, “Bess and Raleigh Dance” y “Love Theme”.

Mucho más redundante se vuelve el score a la hora de reflejar el conflicto con España. Cortes como “Philip”, “War/Realization” o “Battle” parecen buscar más abrumar que transmitir algún mensaje, con un abusivo uso de percusiones y sintetizadores (las cuerdas y los metales, aunque orquestales, al aparecer masificadas terminan sonando como samplers). Algo que no ocurre con “Storm” y “Close”, climax musical del film. Orquesta y coro perfectamente integrados. Dos pasajes épicos de intensa carga emocional, en los cuales se nota la mano de Armstrong. Y es que en el fondo, merece resaltarse lo difícil que se hace diferenciar el trabajo de los dos compositores. En el caso de Rahman se nota su mano en cortes como “Mary´s Beheading” o “Divinity Theme”, dos piezas, especialmente la última, de enorme carga mística y espiritual.

Estamos ante un trabajo de excesivos contrastes. Esperanzador en su inicio, decepcionante en su parte central y memorable en su finale. Pero sobre todo, lo que nos encontramos es un importante error de planteamiento del principal valedor de la partitura: Craig Armstrong, quien a pesar de contar con todos los medios para elaborar una banda sonora a su medida, sin tener que renunciar a su estilo, termina por abusar de todo, sin sacar partido a nada: ni a la orquesta, ni a los sintetizadores, quedando sumida su creación en una extraña nube musical indefinida, llena de buenas ideas, pero mal presentadas en la mayoría de las ocasiones. No hay definición y falta personalidad.

13-noviembre-2007